ライヒャ / 木管五重奏曲

最も古い5つの異なる木管楽器で演奏される五重奏曲は18世紀後半の作曲家、Franz Anton Röslerが作曲しました。その曲はフルート、オーボエ、クラリネット、イングリッシュ・ホルンとファゴットのために書かれています。クラリネットの歴史から言っても、その前にクラリネットが含まれる木管アンサンブルはほとんどないと思われます。
19世紀前半には16の作曲家が約66の木管五重奏曲を書いたとされています。その中にアントン・ライヒャが書いた24の木管五重奏曲も含まれます。

今の木管五重奏のスタンダードには木管でないホルンが入っています。その歴史のはじまりはだいたい18世紀後半ころまでさかのぼります。ドイツではその頃、管楽器の室内楽といえばハーモニームジークが盛んでした。その編成のスタンダードはオーボエ、クラリネット、ホルンそしてファゴット奏者が2人ずつの八重奏です。フルートは入っておらず、このころにはもうホルンが木管楽器と一緒に室内楽をしていました。この伝統はおそらく軍の音楽隊の編成がそうだったことに基づいていると思われます。

アントン・ライヒャは1770年プラハに生まれます。チェリストであった叔父であるヨゼフ・ライヒャよりフルート、ヴァイオリンそしてピアノのレッスンを受けます。どうやらベートーヴェンと同時期にボン大学に在籍していたようで、ハイドンともコンタクトを取っていたそうです。その後パリへ移りコンセルヴァトワールの対位法の教師をしました。生徒の中にリストもいたそうです。

彼の24の木管五重奏曲は1810年から21年の間にそれぞれ6つずつ作品88、91、99、100として書かれました。ライヒャは作曲の際、ハイドンの弦楽四重奏の作曲方法を手本にこれらの曲を作曲したと思われます。
これらの木管五重奏曲はパリの木管楽器奏者のエリートたちに初演されます。フルートはドゥヴィエンヌの生徒であったJ.Guillou、オーボエはG.Vogt、クラリネットはJ.J.Bouffil、ホルンはL.F.Dauprat、ファゴットはA.N.Henryで、彼らは「ライヒャ五重奏団」と呼ばれました。

この時代、木管楽器は楽器開発の最も盛んな時期でした。多くの木管楽器の改良につながっていく「ベーム式」も19世紀前半に発明されます。ライヒャ五重奏団のクラリネット奏者Bouffilが使っていたクラリネットには6つしかキーがついていなかったそうです。その楽器はクラリネットのエチュードでおなじみのルフェーヴルが発展させたものです。

それぞれの作品には詳しく突っ込みませんでしたが、木管五重奏曲のはじまりをライヒャを中心に書いてみました。室内楽が大好きなクラリネット奏者としては木管五重奏曲をしないわけにはいきません!
弦楽四重奏とは違い木管楽器は音の発生の仕方が違います。オーボエとファゴットはダブルリードで似ていますが、それ以外は全く別の仕掛けです。その5つの楽器が一緒に聴こえるとき、本当に新しいサウンドが出来上がります。今後、どんどんと取り組んでいきたい編成の一つです。

Richard Mühlfeld 2

「ここにいるミュールフェルドさんのように美しくクラリネットを吹ける人はいないだろう。」

1891年3月、ブラームスはクララ・シューマンにこのように手紙を書いています。
この時、ブラームスはミュールフェルドにクラリネットの技術や音を知るために、モーツァルトやウェーバーの曲を演奏してもらっていたそうです。
その夏、ブラームスはバード・イシュルの滞在中に、クラリネット3重奏曲作品114、そしてクラリネット5重奏曲作品115を作曲します。その2つの曲は11月にプライベートでヨアヒム四重奏団を招きマイニンゲンで初演され、その後ヨゼフ・ヨアヒムの勧めで12月にベルリン弦楽四重奏の夕べで公に初演されます。ブラームスはこのことをミュールフェルドに「私たちの共同作業、そして一緒に演奏したことは私にとって一番幸せで美しい音楽家としての経験の一つでした。そしてこれは私の中で最も価値のある思い出として刻まれるでしょう。」と手紙につづっています。

ブラームスとミュールフェルドの関係はその後、二つのソナタの作曲も含め、ブラームスの死までずっと続きました。

ミュールフェルドのクラリネットの演奏はワーグナーやブラームス、その他、当時の作曲家にクラリネットの可能性を大きく広げる役割を果たしました。
奏者と作曲家のつながりは本当にその楽器の可能性を広げるためにすごく大切で重要なこと。ベニーグッドマンは多くの作曲家に作曲を依頼し、そこから関係を深めていきました。ミュールフェルドは自分の演奏で作曲家を魅了しました。
今、現在も多くのクラリネット奏者が作曲家と共に新しい曲を生み出していっています。クラリネットの奏法もどんどんと変わっていきます。そしてそこには「楽器開発」という課題も出てきます。
奏者・作曲家、それから楽器の開発。この3つのトライアングルが、今後どのように発展していくのか。
クラシック音楽家は考古学者でありながら、同時に発展者でもあると思っています。特にクラリネットは比較的新しい楽器で、他の弦楽器や管楽器とは違いレパートリーもロマン派以降に重点がある。しっかりと現代に起こっていくことを見逃さず、私自身もいろいろと挑戦していきたいと、また改めて心に誓います。

Richard Mühlfeld 1

「私は十分に創作した。今、若者たちが来るべきだ。」
ブラームスは1890年、自身の意欲の喪失から作曲を辞める決意をします。しかしその翌年、1981年3月ミュールフェルドにマイニンゲンで出会います。その後すぐ、クラリネット3重奏曲作品114とクラリネット五重奏曲作品115を、そして3年後の1984年に2つのクラリネットソナタ作品120を彼のために作曲します。


リヒャルト・ミュールフェルドは1856年2月28日にザルツブルクの音楽監督であったレオンハルト・ミュールフェルドの息子として誕生します。レオンハルトはリヒャルトにヴァイオリン、ピアノそしてクラリネットを教えます。彼はザルツブルクの教会合唱団にも所属し、そこで音楽家としての経験を積みます。そして18歳の時、マイニンゲン宮廷楽団の第2ヴァイオリン奏者になります。その頃からすでに彼はしばしばクラリネット奏者としてもオーケストラで演奏していました。マイニンゲン宮廷楽団は1876年、ワーグナーに招待されバイロイトで演奏をします。ミュールフェルドもそれにクラリネット奏者として同行していました。ワーグナーは彼のエグモント序曲のソロを聴いて、「今日のようにいつも演奏しなさい、そうすれば全世界があなたにひらけるでしょう。」と言いました。その後、ワーグナーの推薦で1879年に彼は正式にマイニンゲン宮廷楽団の第1クラリネット奏者となります。1884年からはバイロイトフェスティバルオーケストラの首席クラリネット奏者としても演奏します。亡くなるまでに彼は31年のキャリアの中で138の場所、645の演奏会で演奏したそうです。オーケストラ奏者以外でも男声合唱団の指導、ピアノとクラリネットの先生としても活動していました。

上に書きましたがブラームスは1981年にミュールフェルドに出会います。ですが、それは一番最初の出会いではありません。1881年にも一度マイニンゲンで出会っています。当時、マイニンゲンの指揮者であったハンス・フォン・ビューローがブラームスを指揮者として呼び、彼の交響曲とピアノ協奏曲を演奏しています。

ブラームスとミュールフェルドの関係についてはまた次で詳しく紹介したいと思います。
ミュールフェルドのためにはブラームスだけでなくBerger, Dubois, Frugatta, Jenner, Krehl, Marteu, Rabl, Stanford, Verhey, Prinzessin Marie Elisabeth von Sachsen Meiningenらも作曲しました。ワーグナーの言う通り、たくさんの人を魅了したミュールフェルドのクラリネット。すごい。

マーラー / 大地の歌 2

前回の続きです。

1楽章「大地の哀愁に寄せる酒の歌」はホルンによるダイナミックなファンファーレで始まります。その後ヴァイオリンが主旋律を引き継ぎテノールのソロへと導きます。4節からなるこの酒の歌は死の恐怖と悲しみを歌います。Dunkel ist das Leben, ist der Tod (生は暗く、死もまた暗い)というリフレインは、半音ずつ上げて繰り返されます。

2楽章「秋に寂しきもの」は晩秋の音のない静かな風景と孤独の回想が表現されます。マーラーはベトゲの詩の題を男性名詞から女性名詞へと変更しています。それはマーラーがこの歌に自分の孤独を見つけたからではないでしょうか。この楽章は交響曲の緩徐楽章にあたり、彼はアルトのソロと室内楽のように作曲しました。オーボエによる悲しい主旋律が非常に印象的です。

3楽章から5楽章は生の喜びについて歌われます。3楽章「青春について」では人々が東屋で飲みながら話し、詩を歌っているという架空の風景が表現されています。この楽章のステレオタイプな五音音階での作曲は中国の雰囲気を作り出しています。

フルートとヴァイオリンによって春のような4番目の舞台「岸辺」へ導かれます。マーラーは「美について」とベトゲの詩より題を変更しました。この楽章は3部からなりA-B-A’の形式を取ります。A部では田園的な木管楽器と弦楽器が使われ、B部では金管楽器と打楽器で駿馬に乗る若者が描かれています。

5楽章「春に酔える者」も3部構成になっており、最初と最後の部分で酔っている者を表し、その間に寝ている部分があります。一楽章と同じ溌溂としたファンファーレで幕を開けます。この2つの楽章は「酒の歌」で結ばれています。酔っている者が調性が不安定な歌を歌います。中間部、寝ている部分では対照的に静かでコンサートマスターに鳥の役割を任せます。

6楽章「告別」でマーラーは二つの詩、「友人を待って」と「友人の別れ」を融合しています。この楽章は曲の全体の半分を占め、他の楽章と比べて不釣り合いです。低音楽器とタムタムによって地の底からなっているような古風な響きで始まります。間奏部まで多くの楽器が独奏されます。まずはオーボエのソロからはじまりフルートへ受け継がれます。その下ではクラリネットとホルンがこの楽章中現れ続ける下降する音型を演奏します。アルトのソロはフルートの伴奏を伴って対位法的に現れ、表情なく話しかけるように歌われます。無がその場を支配します。徐々にその無は解かれ、音楽は流れていきますが、間奏として葬送行進曲のようなはじまりの暗い響きがまた再現されます。この下降する音型が使われる部分は2つの詩の橋渡しの役割も果たします。アルトのレチタティーヴォで次の章、再現部が始まります。詩の終わり部分、「Die liebe Erde allüberall / blüht auf im Lenz und grünt aufs neu! / allüberall und ewig blauen licht die Fernen, / ewig, ewig…」はマーラーがほとんど新しく書き加えました。最後のEwig(永遠に)という言葉はアルトによって、オーケストラが長六度が付加されたハ長調の和音で完全に消滅するまで、繰り返されます。この最後の和音はこの曲がまだ続くような、永遠になり続くような印象を残します。

この作品の核となっている「世界の永遠性の前における人の一時性」は1907年、大地の歌が完成する一年前にマーラー自身が感じました。それは、彼の娘、マリア・アンナの死と、自身の心臓病でした。
のちにヴェーベルンがベルクにこの作品についてこのように語っています。
“Es ist so wie das Vorbeiziehen des Lebens, besser des Gelebten in der Seele des Sterbenden. Das Kunstwerk verdichtet, entmaterialisiert; das Tatsächliche verflüchtigt, die Idee bleibt; so sind diese Lieder.”

最後の部分は上手に訳せそうになかったので、原文を。
このプログラムノートを実際に書いていた時から4年ほど経過しているのもあって、自分でももう一度調べることがたくさんありました。
それにしても日本語がへたくそで…。
本当にこの機会に色々な日本語の文章を読んで、勉強したいと思います。

次回はまだ考えている途中ですが、学部時代に書いた論文から「リヒャルト・ミュールフェルド」について少し書こうかと思っています。ブラームス、クラリネット奏者にとって最も重要な作品の一つができるきっかけとなったクラリネット奏者。
奏者と作曲家のつながりは本当に興味深い。

マーラー / 大地の歌 1

マーラーの大地の歌はマンハイム音大に在籍していたころ、学校のオーケストラでバスクラを演奏しました。そしてその時、プログラムの書き方という授業を取っていて、学校の公式プログラムに私のドイツ語で書いたプログラムノートが印刷されました。とはいってもやはり一人では全然かけなかったので、先生の添削が多く連名になっていましたが…。印刷されたのが嬉しかったことと、でも、すごく悔しかったのを今でも覚えています。
今日はその前半を日本語に訳してみました。

「…私はとても勤勉だった。…私自身、全体がどうなるのかがわからない。楽しかった、そしてこれは今までで一番個人的なものだと思う。…」1908年、マーラーはブルーノ・ワルターにこのように手紙に書いている。マーラーは、第9番となるはずだったこの交響曲に番号を付けなかった。おそらくそこには2つの理由がある。1つ目はこの「大地の歌」が交響曲、そしてオーケストラ伴奏による連作歌曲の両方の形を融合していること。2つ目は迷信からくるものだ。19世紀の偉大な作曲家たち、ベートーヴェン、ドヴォルザークやブラームスは10番目の交響曲を書く前、もしくは完成させる前に亡くなっている。だからマーラーはこの交響曲に番号を付けず、その後、公式に第9番を書いたのではないだろうか。しかし、運命はやってきてしまう。彼も結局10番目の交響曲を完成させることができず亡くなってしまう。
大地の歌は6楽章構成となっていて、楽章ごとにテノール、もしくはアルト(バリトン)のソロがある。歌詞はハンス・ベトゲの詩集「中国の笛」に基づいている。ベトゲの詩集は中国の詩を直訳したものではなく、フランス語に訳されたものを更に自由に編集したものである。なので、ベトゲとマーラーによる編集で間違って訳されているものもあり、元の詩を特定することが難しいものもある。

次回、後半を訳してみようと思います。

Stockhausen / Tierkreis

この五月、本当はシュトックハウゼン作曲のTierkreis(12星座)の演奏会を予定していたのですが、新型コロナウイルスの影響で中止に。しかし、せっかくなので、この曲について少し紹介してみようと思います。

Tierkreisはもともと「6人の打楽器奏者とオルゴールのためのMusik im Bauch」という作品の中で12星座のメロディーとして作曲されました。それを独立して「メロディー、もしくは伴奏楽器とのためのTierkreis」として出版。この曲は他にも作曲家によって室内オーケストラ、クラリネット・フルート・トランペットのトリオや歌と鍵盤楽器などの編成に編曲されています。シュトックハウゼンは12星座の性格を勉強し、自身の子どもや友人・知人のことを星座を踏まえて思い起こしながらメロディーを作曲、そして歌詞も自分で書きました。

私は水瓶座なのですが、そういうのを意識しながらメロディーを自分で演奏すると、しっくりするような気がします。逆に、他の星座のメロディーを演奏していると、「自分はこうじゃないけど好きだな。」とか、「よくわからない。」とか…いろいろと感じて面白い。

この曲、順番を変更せずに最初に演奏した星座をまた最後にも演奏すればどの星座から演奏を始めてもいいとなっていて、更に、伴奏はどの楽器にも変更していいようにもなっています。
なので、5月に演奏会ができていたら、ピッコロ・フルート・アルトフルート・オーボエ・イングリッシュホルン・クラリネット・バスクラリネットという編成でする予定でした。
また機会を改めてできますように!

プーランク / クラリネットソナタ

プーランクのクラリネットソナタは、彼の友人であるオネゲルとの思い出のために書かれました。プーランクとオネゲルはフランス6人組としても活動を共にしています。そしてこの曲は、プーランク自身とベニー・グッドマンの二人で初演が予定されていました。しかし、その初演の直前、プーランクは突然の心筋梗塞で亡くなってしまい、二人で演奏することはついにありませんでした。オネゲルの思い出に書かれたこの曲は、カーネギーホールで行われたプーランクのメモリアル・コンサートでベニー・グッドマンとバーンシュタインによって初演されました。
このクラリネットソナタは本当にユーモアにあふれていて、オネゲルとプーランクの仲の良さがうかがえます。ただその分、時折、プーランクの悲しみも深く感じとれます。

Diese Sonate sollte eigentlich mit Poulenc persönlich uraufgeführt werden. Das konnte leider nicht mehr realisiert werden, da Poulenc im Januar 1963 plötzlich an einem Herzinfarkt starb. Die Uraufführung der Sonate fand im April 1963 in der Carnegie Hall anlässlich des «Composers’ Showcase Francis Poulenc Memorial Concert» von Goodman und Leonard Bernstein am Klavier statt. Diese Sonate schrieb Poulenc eigentlich zur Erinnerung an seinem Freund Arthur Honegger. Poulenc hat als Bezeichnung des ersten Satzes Allegro tristamente (bed. trauriges Allegro) geschrieben. Das Stück fängt mit einer Introduktion mit Läufen aus Sechzehntelnoten an, gefolgt von einem dunklen aber auch leidenschaftlichen Hauptthema. Nach einem ruhigen Mittelteil wird wieder das Hauptthema angezeigt. In Romanza, dem zweiten Satz, wird eine sehr lyrische Melodie entwickelt. Der dritte Satz Allegro con fuoco ist, im Gegensatz zu Romanza, sehr energisch. Im ganzen Stück gibt es viel Humor. Man kann sich also gut vorstellen, dass die beiden Komponisten, Poulenc und Honneger, es lustig miteinander hatten.

バルトーク、コープランド、そしてプーランク、私のマスタープロジェクトで取り上げた3曲を紹介しました。本当に思ったよりも日本語で伝えるのは難しい…。苦戦しました。
ベニー・グッドマンというクラリネット奏者を通して、こんなにも素敵な曲が完成していきました。(他にもまだまだあります!!)彼自身、ジャズの世界では色々な曲を残しているし、本当にすごい人だなとただただ尊敬しています。「音楽に人種は関係ない」を実際にやってのけたのも彼。すごい。

とりあえず、ベニー・グッドマンに関する曲紹介はここまでにして、次回は何にしましょうか?
過去のプログラムを見返すのが楽しくなってきました。
まだまだこれからもお付き合いください。

コープランド / クラリネット協奏曲

コープランドはこの曲を作曲する際、このように話しています。
「もしベニーが私に作曲を依頼することがなかったら、私はクラリネット協奏曲を書くことはなかっただろう。」と。
彼はこの曲の作曲をしているとき、ベニー・グッドマンのジャズの録音を持ちながら、南アメリカを旅行していました。なので、この協奏曲にはジャズ、更には南アメリカの民族音楽の要素も使われています。コープランドはジャズの効果を引き出すため、オーケストラを弦、ハープ、ピアノに限定しました。
この協奏曲には2つの版が存在します。それは、まず最初に出来上がった「オリジナル」と、ベニー・グッドマンのために「簡単にしたもの」です。最初に仕上がった楽譜をもらった時に、ベニー・グッドマンはコープランドにテクニック的に難しい場所の変更を依頼します。その時のことをコープランドはこのように振り返っていました。「ベニーは何カ所かの変更を申し入れました。その一つがカデンツァの高音でした。しかし、彼にはこの音が演奏できるはずなんだ。私は彼の録音を聞いて、彼がこの音を演奏しているのを聴いたのだから。」インプロで演奏するものと、計画された楽譜に書かれたものでは、違ったのでしょうか?コープランドは申し入れを受け入れ、彼のために数カ所書き直しています。書き直された楽譜には、しっかりと「ベニー・グッドマンには難しすぎる」と書かれています。
その後も、ベニー・グッドマンはこの曲に苦戦していたようで、もともと予定されていた初演をまだ準備が整っていないと彼は一度断っています。彼が演奏することになったのはその約1年後でした。ベニー・グッドマンはそれでもその後このようにこの曲のことを語っています。「コープランドの指揮のもと、この協奏曲を演奏するのはいつも気分が良い。」と。

この曲はカデンツァをはさみ続けて演奏される2楽章構成です。1楽章はゆっくりなワルツ、2楽章にはアメリカの民族音楽の要素、チャールストン・リズム、ブギウギ、ブラジルの民族音楽など用いられています。

Copland: Klarinettenkonzert

Copland ist während dem Kompositionsprozess des Klarinettenkonzertes durch Südamerika gereist und benutzte nord- und südamerikanischen Volksmusik Elemente. Das Konzert wurde mit einer Jazz-Intention komponiert: «Da die Orchestrierung sich auf Klarinette, Streicher, Harfe und Klavier beschränkt, hatte ich kein großes Schlagzeug zur Verfügung, um Jazz-Effekte zu erzielen. Also verwendete ich ‹slapping basses› und geschlagene Harfenklänge, um diese zu simulieren.» Das Klarinettenkonzert besteht aus zwei Sätzen ohne Unterbruch mit einer langen improvisatorischen dazwischen: der Kadenza. Der erste Satz ist ein langsamer Walzer mit einer sehr ausdrucksvollen und lyrischen Melodie. Direkt danach folgt die Kadenza. Sie entwickelt sich in sehr virtuosen Motiven. Wieder ohne Pause folgt der Finale. In diesem Satz benutzte Copland nord- und südamerikanischer Volksmusik-Elemente: Charleston Rhythmus, Boogie-Woogie und brasilianische Volksmusik. Als Goodman zum ersten Mal die Noten sah, musste er einige Änderungen wegen technischen Schwierigkeiten verlangen. Als Copland für Goodman die Stimme umschrieb, schrieb er auch in der Partitur: “1st version — later revised — of Coda of Clarinet Concerto (too difficult for Benny Goodman)”.

この曲、私は好きな協奏曲の一つなので、ベニー・グッドマンがコープランドに作曲を依頼してくれたことに本当に感謝しています!
ここでは、ベニー・グッドマンがすごくてこずった話題が多かったですが、彼はすごい努力家でした。私自身クラシックしか演奏しないのでよくはわかりませんが、ジャズの奏法とクラシックの奏法は全く別物です。彼はクラシックの作曲を依頼する傍ら、自身もクラシックの奏者に師事し、レッスンを受けしっかりとクラシックの奏法を学んでいました。既存する楽譜だけでなく、新しい曲を依頼し、それを学んで演奏することは非常に難しい。ジャズ奏者としても超一流で、クラシック音楽界のも大きな影響を与えた彼を私は本当に尊敬しています。

バルトーク / コントラスツ

作曲家は作曲するとき、自分が演奏できる楽器のため、依頼を受けて、もしくは友人・知人のために作曲することがほとんどです。クラリネット作品に関しても、同じように作曲されてきました。例えば、モーツァルトのクラリネット協奏曲はアントン・シュタットラーに、ウェーバーのクラリネット作品の多くはカール・ベールマンに、そしてブラームスの作品は、リヒャルト・ミュールフェルドに。いずれも当時、活躍していたクラリネットのヴィルトゥオーゾたちです。前の記事でも書きましたが20世紀の作曲家にとって、ベニー・グッドマンはそういった存在でした。

ベニー・グッドマンにとっての最初のクラシック音楽の作曲家との仕事はバルトークのコントラスツでした。彼はバルトークにヴァイオリニストのシゲティと演奏するためにそれぞれの楽器のカデンツァが含まれる2楽章構成の作品を依頼しました。そうして作曲されたのがコントラスツの1楽章と3楽章です。1楽章にはクラリネットの、そして3楽章にはヴァイオリンによる華やかなカデンツァがあります。2楽章はバルトークからのサプライズでした。
ベニー・グッドマンは、当時のことをこのように振り返っています。「現代音楽を聴く人々がバルトークのような作曲家がスコアに書き記したすべてのことを理解して聴いているとは思えません。複雑に聴こえているときでも、すべての音はその場所でそれぞれに意味を持っている。」

1楽章Verbunkosはもともと軍隊の隊員募集の際に使われた舞曲です。この舞曲は付点のリズムが使われるゆっくりな部分とテンポの速いヴィルトゥオーゾの部分から成り立ちます。1楽章はヴァイオリンのピッチカートから始まり、クラリネットがその後、Verbunkosのテーマを引き継ぎます。
2楽章Pihenöは1楽章、3楽章に比べてほとんど民族音楽の要素は含まれておらず、どちらかというと夜の音楽のようなスタイルになっています。
3楽章Sebesではヴァイオリン奏者はGis-D-A-Esと調弦された楽器が必要です。この楽章は速くエネルギッシュな部分とブルガリア音楽のリズムを持つトリオから構成されています。
この曲の構成は全体に大きなコントラストを作り出しています。ヴィルトゥオーゾで民族舞曲の要素をもつ1楽章と3楽章、それに対する静かな2楽章。そして1楽章ではクラリネットが、3楽章ではヴァイオリンが重要で、それぞれの楽章にカデンツァがあります。

Bartók: Kontraste für Violine, Klarinette und Klavier

Benny Goodmans erste Zusammenarbeit mit einem klassischen Komponisten war im Jahr 1938 mit Béla Bartók und seinem Werk «Kontraste». Der ungarische Geiger Joseph Szigeti beantragte bei Bartók ein Werk für ihn und Goodman. Beide wollten zuerst nur ein Stück mit zwei Sätzen haben, aber Bartók schrieb freiwillig dazu noch eine Brücke zwischen den zwei Rhapsodien. Verbunkos ist ein Tanz der ursprünglich bei der Anwerbung von Soldaten gespielt wurde. Dieser ist aus einem langsamen Teil mit punktierten Rhythmen und einem schnellen virtuosen Teil gebildet. Der ersten Satz fängt mit Pizzikati auf der Geige an. Darauf folgt die Klarinette mit einem typischen Verbunkos-Thema. Der zweiten Satz, Pihenö, hat kaum volksmusikalische Elemente im Vergleich mit den äusseren Sätzen, er ist eher im Stil einer Nachtmusik. Am Anfang vom Sebes braucht man eine Skordatur-Violine in Gis-D-A-Es. Der Finale ist aus sehr schnellen energischen Teilen und einem Trio mit bulgarischen Rhythmen gebildet. Zwischen den Sätzen gibt es viele starke Kontraste. Die Struktur des Stückes bildet einen grossen Kontrast: der virtuose und volkstänzerische Verbunkos und Sebes gegen den ruhigen Pihenö. Der ersten Satz fokussierte sich auf die Klarinette und der dritten Satz auf die Violine. Die beiden Sätze haben Kadenzen für die betreffenden Instrumenten.

この曲は、自分のチューリッヒでのマスタープロジェクト、そして日本でも演奏したことがあります。クラリネット、ヴァイオリン、ピアノのトリオ編成の曲は多くはありません。その中でも特によく演奏される楽曲のひとつです。
合わせをするのも簡単な曲ではありません。ベニー・グッドマンがいうように、それぞれの楽器が複雑に絡み合います。三人の奏者がピタッと同じ感覚を持つことができれば、本当に生き生きとした素晴らしい作品です。

Benny Goodman

まずは、私のチューリッヒでのマスタープロジェクトのプログラムノートから。
テーマはジャズクラリネット奏者ベニー・グッドマン。
私がクラリネットが好きになっていくきっかけのひとつでもあります。

ベニー・グッドマン
クラシック音楽における彼の旅

「キング・オブ・スイング」、ベニー・グッドマンは有名なアメリカのジャズクラリネット奏者であり、バンドリーダーです。1938年、彼はニューヨーク・カーネギーホールでジャズのコンサートを開催しました。当時、アメリカではまだ人種差別が色濃く残っていましたが、演奏会ではアフリカ系アメリカ人の奏者もともに演奏し、大きな話題となりました。
ベニー・グッドマンはクラシック音楽界でも重要な存在です。多くの20世紀の作曲家、例えばヒンデミット、ミヨー、アーノルド等は、彼に作品を献呈しました。そしてそれらの作品は今でも私たちクラリネット奏者にとってとても重要なレパートリーです。
彼にとってジャズとクラシックは2つの異なるジャンルではなく、2つの補い合うジャンルでした。
「クラシックでは、音の質、他の楽器、フレーズ、テンポなど、作曲家がどのように作品を作曲したのかを考えて、その音楽の中でベストなものを表現する。それがすべて整って、他の演奏家と同じアイディアを感じることができれば、それはジャズ奏者が「スウィング」と呼ぶものと全く同じなのです。」

Benny Goodman
seine Reise zur klassischen Musikwelt

Der «King of Swing», wie man Benny Goodman auch nannte, war ein sehr berühmter amerikanischer Jazzklarinettist und Bandleader. Im Jahr 1938 gab er sein erstes Jazz-Konzert in der New Yorker Carnegie Hall mit seiner Big Band, dem Benny Goodman Orchestra und anderen berühmten Gastmusikern, darunter auch afroamerikanische Musiker, obwohl in dieser Zeit in den USA Rassismus noch sehr präsent war. Goodman war auch ein sehr wichtiger Klarinettist für die sogenannte «klassische Musik». Viele Komponisten des 20. Jahrhunderts, zum Beispiel Paul Hindemith, Darius Milhaud und Malcom Arnold haben ihm Klarinettenwerke gewidmet und die meisten davon sind heute noch sehr bedeutsam für unser Klarinettenrepertoire. Für den King of Swing waren Jazz und klassische Musik nicht unbedingt zwei verschiedene, sondern eher zwei komplementäre Genres.
«Im Jazz schätze ich das Gefühl der Freiheit, die Möglichkeit, einen Chorus bei entsprechendem Empfinden in den unteren Registern oder in hohen Lagen zu spielen. Auf anderen Gebieten der Musik aber geht es darum, sich an dem zu messen, was sich ein grossartiger Komponist ausgedacht hat, um die tadellose Tonqualität, die Übereinstimmung mit den anderen Instrumenten, das Phrasieren, um den Versuch, genau jenes Tempo auszuschlagen, in welchem die Musik am besten klingt. Wenn alles klappt und alle Musiker die gleiche Grundidee im Hintergrunde dessen spüren, was sie spielen – dann ist es genau das, was die Jazzmusiker mit dem Ausdruck «Swing» meinen.»

次回は、その時に演奏した曲のプログラムノートを紹介しようと思います。
日本語で書くのは思ったよりも難しいですね。

杏里